《100/The Absolute》

“世界本来就是迷宫，没有必要再建一座。”

尹茂健的每件作品都复原着一座由金属铸造而成，无边无形的迷宫。

从外部看，「画100张画」成为了艺术家现阶段的冒险（或者说冒失）。在设定的时间内不留退路地将思想、情感丢置于暴露的状况。

从内部看，艺术家在短时间内通过作品向自身发起了100次苏格拉底式的诘问。质疑-想象-构思，决断-创造-质疑。踽踽独行，跳入不确定性的泥潭中去尝试并弄清楚不确定的地方。

于我而言，能够进入尹茂健画面的切入点正是他的实践中既作为行动又成为结果的理性信仰。

理性与非理性的区别为，「我」观察、认识世界真理的过程中，是否依凭某位权威/多数群体的存在。尹茂健的作品首先揭示着现实结构中这种「不实的存在」。所以他的画面中没有因服从经济目标而被消费主义吞噬的抽象化雷同与华美，没有因追求“越快越好”/立竿见影而被迫激发的对峙与破坏，而是显露出“人之为人的特殊性和机能”。这是与他独特气质最为贴切的独特结果——表现人的精神实践所能抵达的纯粹与成熟。

尹茂健是一位沉毅寡言之人，与其谈论作品会破坏他的工作。他将一切交付于画面，点、线、形状、造型、体积、色层、剖面、拼接、组合，他有意识地使用最简练的语言表现恒久的秩序、无常的暂有、归无的倏瞬。当然还有把观者引入这座迷宫内部的——以搅乱思维的形式出现的——艺术家不执着于寻找出口的参与。

“仅就生物学角度说，自然生命本身就是一个奇迹、一种秘密...我们认识自身，但即使尽我们的一切努力，也不能完全了解自己...因为我们不是物...对我们的存在了解得越深，那个目标就会离我们越远。”——艾里希·弗洛姆

尹茂健将「绝对/The Absolute」的概念设为展题，通过「矛盾」的必然形式轮转展开。

从工作看，画面精湛的表层下潜藏着徐缓的实验经过。尹茂健习惯用半年时间推敲（一幅大件作品）的结构，倾注大量时间琢磨一个颜色的使用。滚、涂、切、割、锯、拼、钉、触、累、叠、覆、盖等具体的制作都因最后「打磨」的动作忽然匿迹/留白于我们眼前。他说：“我画画像画中国画。”

从画面看，尹茂健的观念中从未出现「静止态」。方硬韫于浑圆，钝巧解构着无序。抖动的边缘线、螺旋上升状的色层剖面、相互充实/错叠、补间/挤压、聚散/舍离的组构、看似随机联结-无始无终-向外分布的点...都指向艺术家全部人格中的性格特性：理智地为工作建立规范；（在有限的规范中）专注地体验情感流变；（在差异的生成中）轻快地体验生命起落/碧落深渊；因此，谦恭地与厄运和挫折扑面；积极地为爱“劳作”，与世界各种相互作用的力量相融，释放自身未被察觉的强度。

「冲突」或者说「冲突的关系」是尹茂健提炼出最为明晰的一个词语。

上与下、左与右、竖与横、直与弧、方与圆、明与暗；

阴与阳、静与动、昼夜与光明、罪恶与纯洁、摧毁与建设、对抗与臣服、融合与孤独、索取与给予...

我们身处的世界本由截然相向的两极物质构成，在轰然对撞的交锋中迸发出无限生机。

「生机」落入尹茂健的创作时，稳重的几何形状为活泼的节奏支撑起充足跳跃的空间。

相近的颜色组构恰似在同一个时刻与同一个人相逢在不同的生命阶段。

相向的颜色拼组也并没有为画面带来破坏性，反而色块间的相互依托让整体画面更显饱满。若同两个或多个一起行动、发展、生活、工作的人类在各自坦率表露着内心的真实。他们组合在一起而仍然保留着个体的尊严与个性。（正如康德所阐明的场景——人人都是目的，而非互为手段。）

2023年，尹茂健的个人展览以「美拉德反应」为题。他喜欢咖啡烘焙过程中因多方面因素而构成的「不可能被定义的结果」。咖啡豆被碾压成粉，裹挟着沸水溶解消失。整杯水分子都洇染上苦甘，咖啡的焦香也涌入空气，开放、流动、无缚、无住。

画面中迷散的点犹如历经了层层蜕变的种子，从「一」的混沌中绽裂，超越「二」分，散落成霰。尹茂健在自己的艺术实践中与世界相结合，创造性地放下了「我」，随即拥有世界。

「绝对」在尹茂健的工作中从一个需要追寻的真理转变为一场主动融入的体验，由画面中象征人类精神秩序的线条完成指引...

至此，迷宫的绮丽与其内部矛盾重重的路径，用意只在迫使观者观看时的思维进退无措，直面当下存在时的核心感受。在一百次西西弗斯式求索的崩解和重建中放下对（包括知识在内的）一切答案的分辨。

当视线再度抚摸过那些磨光的表面、预留的痕迹、无言的间隙...愈发清晰敏感时，千千万万个故事在此刻同时生成着一个「叠加态」的世界。使人具体的经验短暂失效，从长久以来遁入迷宫所扮演的身份中抽离，观得那些新旧角色的烁亮与寂灭，依然能够于自身捕获一种深刻的满足。

所有的人都从生活中得到了一切，但是大多数人自己却不知道。——豪尔赫·路易斯·博尔赫斯